Boas-vindas à edição #11 do EC News. A semana foi de contrastes: a Adobe e a OpenAI colocaram mais inteligência artificial nas mãos de quem cria, enquanto ilustradores e artistas reforçaram o valor do traço à mão, do papel e da observação paciente. Reunimos 14 destaques para você começar a semana por dentro — e cada um é contado por inteiro aqui, sem precisar clicar em lugar nenhum.
Arte
Papel enrolado que vira mar: as esculturas de Amy Genser
A artista norte-americana Amy Genser monta grandes esculturas de parede com papel-amoreira (um papel fino e resistente feito da casca da amoreira) enrolado em espirais, combinado com tinta acrílica, arame e plástico moldável. De longe, as peças ondulam como correntes do mar, recifes e o relevo do fundo oceânico, em azuis e verdes. De perto, surgem cavidades que lembram cracas e formas que parecem tentáculos — e mais cores aparecem quanto mais você observa.
Uma das obras, Stars Below, foi encomendada pela destilaria escocesa The Macallan para sua coleção Carta Nautica, e Genser a descreve como “um mundo submarino mítico moldado por movimento, descoberta e transformação”. Para quem está começando, é um lembrete poderoso: material humilde e repetição paciente podem construir algo monumental. Não é a ferramenta cara que faz a obra — é o olhar e o acabamento.
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Areia na tinta: as paisagens densas de Sky Glabush
Criado na costa oeste do Canadá e hoje no interior de Ontário, o pintor Sky Glabush mistura tinta a óleo com materiais granulados — na maioria das vezes areia, às vezes quartzo moído ou pigmento puro. O resultado são paisagens em relevo, quase tateáveis: florestas sombrias, campos de flores silvestres e cenas de lago com sóis radiantes, construídas sobre grades ou estruturas radiais e uma paleta limitada a uma ou duas famílias de cor.
Ele conta que começou com o impulso de “apagar a imagem”, mas percebeu que ela insistia em reaparecer sob a superfície — então passou a adicionar e remover camadas de tinta e aguarrás até a obra ganhar textura. Parte dessas telas estará na individual If the Wild Bird Could Speak, na galeria Alison Jacques, em Londres, de 20 de novembro a 9 de janeiro. Para quem começa, fica a lição: experimentar com o material é parte do conteúdo da obra, não um detalhe técnico.
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Memória ancestral em forma de retrato, por Kelly Sinnapah Mary
Nascida em Guadalupe, no Caribe francês, Kelly Sinnapah Mary pinta retratos saturados e surreais em que folhagens se sobrepõem à pele das figuras — quase sempre mulheres solitárias — que se fundem com plantas, flores e criaturas híbridas. Sua obra investiga como os seres vivos estão conectados e como o colonialismo e o antropocentrismo (a ideia de colocar o ser humano no centro de tudo) moldam essas relações.
Uma personagem recorrente, Sanbras, leva o nome de um livro infantil pejorativo dos séculos 19 e 20; já a série The Book of Violette é batizada em homenagem à avó da artista e bebe do folclore e da memória familiar, que inclui ascendência de trabalhadores tâmeis. Sua próxima individual, Between earth and sea, abre em fevereiro no The Aldrich Contemporary Art Museum, em Connecticut. Para quem começa, é um exemplo de como história pessoal e pesquisa viram matéria-prima de uma linguagem visual própria.
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Criatividade
Menos material caro, mais textura: o desenho de Georgie McAusland
A ilustradora Georgie McAusland parou de usar papéis e tintas caros e descobriu “ainda mais textura e densidade” no lápis esfumado, no guache e no pastel. Seu traço solto, mas detalhado, já ilustrou matérias para o The New York Times, o The Cut e a revista Apartamento, além de livros e romances. Hoje ela desenha muito de observação — cenas de parque, gente embaixo das mesas de café —, buscando um olhar humano e imperfeito.
Ela trabalha num estúdio compartilhado em Barcelona, o Buffet Lliure, e diz se inspirar nos outros criativos ao redor; nas horas vagas, explora animação, gravura e cerâmica, que realimentam a ilustração. Para quem está começando, a mensagem é libertadora: você não precisa dos materiais mais caros nem do acabamento perfeito. Observar o mundo e desenhar muito vale mais do que o equipamento.
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Romance no inusitado: as animações absurdas de Maria Zilli
Italiana nascida em Roma e formada em Urbino, a ilustradora e animadora Maria Zilli não tem casa fixa: ela se muda entre cidades, porque consegue animar em qualquer lugar com um laptop. Seu trabalho transforma pequenas observações — como uma luva de plástico levada pelo vento na rua — em histórias absurdas e bem-humoradas. Ela alterna entre desenhos a lápis de cor, que congelam um instante surreal, e animações digitais em 2D mais próximas do cotidiano.
Uma de suas peças, Make Him Bite the Stardust, é uma cena noturna a lápis de cor com um carro cruzando uma paisagem onírica. Agora ela co-dirige Volcano, um curta sobre turistas numa excursão guiada pela Islândia, pelo estúdio Foolworks. Para quem começa, é a prova de que ideia e olhar atento importam mais do que grandes produções: dá para criar com pouco e levar o próprio humor para dentro do trabalho.
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Ilustrar como quem faz cinema: as gêmeas Balbusso e “O Conto da Aia”
As gêmeas italianas Anna e Elena Balbusso, de Milão, ganharam medalha de ouro da Society of Illustrators pela edição de 2012 de O Conto da Aia, de Margaret Atwood, pela Folio Society (editora britânica de livros ilustrados de luxo). Agora elas voltam a esse mundo numa caixa de edição limitada que reúne o romance e sua continuação, Os Testamentos, com novas ilustrações.
Elas dizem que ilustrar um livro é “muito parecido com fazer um filme”: escolhem as cenas-chave e constroem o mundo inteiro — personagens, figurino, enquadramento e paleta de cor. Em vez de copiar a arquitetura do texto, adotaram a geometria angular do construtivismo russo e do futurismo italiano para reforçar o clima de opressão, e deixaram a cor conduzir a narrativa. A tiragem tem 750 cópias assinadas à mão, impressas em Veneza. Para quem começa, é uma aula de pensar o livro como narrativa visual, não só como “desenhos bonitos”.
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Design
Uma identidade em movimento para a Etsy, pelo estúdio Vucko
O estúdio canadense Vucko, de Toronto, criou uma identidade cinética (uma marca pensada para se mover, não só ficar parada) para a Etsy, o marketplace de produtos artesanais e vintage. O sistema se apoia em três valores — alegria, simplicidade e artesania — que funcionam como critério para cada aplicação da marca, guiados pela ideia de “descobrir o especial”.
Antes de desenhar, o estúdio pesquisou como os times da Etsy trabalham, conversando com pessoas de várias áreas para entender onde a marca precisa de consistência e onde pode ter liberdade. O resultado é um único sistema que serve tanto ao design de produto, funcional e claro, quanto ao marketing, mais expressivo e cheio de surpresas. Para quem começa, é um bom exemplo de que identidade visual não é só o logo: é um conjunto de regras e movimentos que dão personalidade à marca em qualquer tela.
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Nostalgia com sotaque brasileiro: a marca retrô do estúdio Biabum
O estúdio carioca Biabum, fundado por Beatriz Tati Nóbrega, trabalha com identidade visual, impressos, embalagem, direção criativa e motion. Suas marcas apostam em texturas marcantes, cores vivas e um fio retrô que traz nostalgia — especialmente no setor de alimentação. Para o Salva Bar, a dupla combinou lettering (letras desenhadas à mão) com silhuetas ilustradas que lembram antigos carimbos de xilogravura.
A ilustração está no centro do trabalho: “a gente costuma trabalhar no digital, mas gosta de trazer a sensação dos processos analógicos para a tela”, diz Beatriz. Para a marca de chocolate Giro, a embalagem de papel conta de forma ilustrada a jornada do grão à barra, comunicando uma produção ética. Boa parte da inspiração vem da vida brasileira — carnaval, tipografias de rua, arquitetura modernista. Para quem começa, é a prova de que repertório local é diferencial, não limitação.
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Xadrez com cara de esporte: a marca Nymzo
Os designers Elliott Walker e Tim Hucklesby, do estúdio nova-iorquino Otherward, perceberam que a popularidade do xadrez nos clubes sociais tinha ultrapassado o visual do equipamento — ou peças de plástico baratas, ou conjuntos caros de madeira e vidro. Daí nasceu a Nymzo, uma marca de xadrez “forte e esportiva”, que bebe das culturas visuais do skate e da corrida em vez do clima tradicional do jogo.
O primeiro produto, um tabuleiro-tapete enrolável com peças pesadas que deslizam como num tabuleiro clássico, vendeu mais de 2,6 mil unidades e chamou a atenção até de Magnus Carlsen, o maior nome do xadrez atual. A segunda série chega em seis novas combinações de cor, mais leve e acessível. A ideia-chave: um jogo de xadrez não precisa ser de madeira nem ter feltro verde. Para quem começa, mostra como repensar o visual de um produto antigo pode abrir um mercado inteiro.
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Comunicação
Black Friday em pixel art: a Méqui Friday 2026 do McDonald’s
O McDonald’s transformou suas promoções de novembro numa jornada de videogame. Criada pela agência GALERIA.ag, a campanha “Méqui Friday 2026” usa pixel art de 16 bits (aquele visual quadriculado dos jogos antigos), inspirada nos games de Game Boy, com corridas, skate e batalhas de chefão como cenários. O convite é “zerar o game” para destravar as ofertas do mês.
Junto com o estúdio The Future Studio, a marca criou um jogo conectado em que a pessoa explora os mapas da campanha, avança de fase e desbloqueia cupons trocáveis por prêmios no app do Méqui — como um combo de Big Mac com batata e refrigerante a R$ 19,90. Para quem começa na área, é um bom caso de como uma estética (aqui, a nostalgia dos games) pode virar o fio condutor de uma campanha inteira, unindo design, conteúdo e experiência interativa.
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Glitch como linguagem: a campanha da Talent para o Festival Mix Brasil
A agência Talent criou “Todos os Futuros Possíveis” para a 34ª edição do Festival Mix Brasil, que acontece de 11 a 22 de novembro em São Paulo. Inspirada na ideia de queerfuturismo, a campanha propõe um tempo fluido e múltiplo — “o tempo é queer”. A peça aposta no datamoshing, uma técnica que gera efeitos de glitch (falhas e borrões de imagem) ao “confundir” o vídeo na hora de prever o próximo quadro.
Esse borrão entre um quadro e outro representa a passagem do passado conhecido para um futuro em construção. A campanha ainda homenageia, in memoriam, Danilo Janjacomo, diretor executivo de criação da Talent, lembrado por sua luta pela representatividade da comunidade LGBTQIA+. Para quem começa, é um ótimo exemplo de como um conceito forte e uma técnica visual podem nascer juntos: aqui, a forma (o glitch) é o próprio significado.
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Criadores de ontem, hoje e amanhã: a nova campanha da Canon
A Canon estreou a campanha “Creators de ontem, hoje e amanhã”, assinada pela Dentsu Creative. No centro dela está um minidocumentário que conta a história de Jaime Argolo, que filma a própria filha desde 1989 e hoje registra a família com as novas câmeras da marca. É uma ponte entre gerações de quem cria imagens — do pai que documenta a família ao criador de conteúdo de agora.
Em vez de focar só nas especificações técnicas do equipamento, a marca escolhe falar de afeto, memória e o gesto de documentar a vida ao longo do tempo. Para quem está começando na área de imagem, é um lembrete de que a tecnologia é só o meio: o que sustenta um trabalho é a história que você decide contar e o olhar que você desenvolve com os anos.
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Tecnologia
Adobe coloca “agentes” de IA dentro dos seus programas criativos
No Adobe MAX, evento anual da empresa realizado em 10 de novembro em Miami Beach, a Adobe anunciou uma leva de agentes e ferramentas de inteligência artificial espalhados pelo Creative Cloud e pelo Firefly. A novidade central é o Adobe Creative Agent, com recursos de “AI Assistant” (em fase de teste) chegando ao Illustrator, Premiere, InDesign, After Effects e Frame.io — pense num assistente que entende pedidos em linguagem natural e executa tarefas dentro do software.
No vídeo, o Firefly passa a reunir num só fluxo a construção da história e a montagem — de conteúdo para redes a curtas-metragens — e o Premiere ganha um modo de cor para a correção das imagens. A Adobe também vai oferecer, dentro do Firefly, modelos de parceiros como Google e OpenAI. Para quem está começando, vale acompanhar de perto: essas ferramentas mudam o fluxo de trabalho, mas não substituem o repertório de quem sabe o que quer fazer.
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A OpenAI lança novos modelos de imagem: Flare e Sunburst
Em 4 de novembro, a OpenAI lançou o GPT Image 2.6 em duas versões voltadas a desenvolvedores: o Flare, feito para velocidade (gera uma imagem em cerca de 6 segundos, uns 40% mais rápido que a geração anterior), e o Sunburst, mais lento (cerca de 9 segundos) e focado em maior fidelidade visual para cenas complexas ou cheias de narrativa.
Entre as novidades estão a geração nativa de GIFs animados (até 120 quadros), a exportação em SVG (formato de imagem vetorial, que não perde qualidade ao ampliar) e edições localizadas: dá para marcar regiões da imagem — fundo, primeiro plano, objeto — e pedir para recolorir, trocar ou remover. Para quem começa, é um sinal de para onde a geração de imagem está indo. Entender essas ferramentas ajuda a usá-las como apoio ao processo, sem abrir mão do próprio olhar.
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Arkivism
Um índice gratuito que reúne mais de 4 milhões de imagens de domínio público — obras, ilustrações, fotos e vídeos de dezenas de museus e arquivos do mundo todo. Você busca descrevendo em uma frase o que procura, parecido com conversar com um chatbot, mas os resultados são feitos por pessoas, não por IA. O Colossal o chamou de “antídoto acessível à IA”: ótimo para pesquisa de referência sem dor de cabeça com direitos autorais. Ver no Colossal ↗
A semana mostrou um mesmo fio: de um lado, ferramentas novas de IA; do outro, gente defendendo o traço à mão, o papel enrolado e a observação paciente. Aqui a gente acredita que tecnologia e repertório andam juntos — e o olhar que você desenvolve é o que nenhuma ferramenta entrega pronto.
